RICHAUD – Picturæ

Sidragtion Metz : coulisses, portraits et visibilité

RICHAUD — Tue, 31 Mar 2026 16:40:13 +0000

Reportage · Coulisses · Sidragtion Metz 2026

Entre la rue, la scène et les coulisses – Sidragtion Metz

Au

Sidragtion
, il y a la fête, l’énergie, la collecte, la visibilité. Mais il y a aussi autre chose : des personnes qui s’engagent, qui s’exposent, et qui, parfois, se voient autrement.

Elles et eux, avant tout

En parlant du Sidragtion, le plus facile serait de s’arrêter à ce qui frappe d’abord : les performances, les maquillages, les silhouettes, l’énergie visible.

Mais ce serait passer à côté de l’essentiel.

Car derrière cette apparence, il y a des personnes. Des parcours, des sensibilités, des manières d’être au monde qui ne se résument pas à un passage sur scène.

Le Sidragtion tient surtout dans ce qu’il mobilise : du temps donné, de l’énergie engagée, une présence assumée dans l’espace public. Et toujours, en filigrane, la lutte contre le VIH, portée notamment par le Sidaction.

Quand la visibilité sort dans la rue

Sur scène, le regard est attendu. Le spectacle est là pour être vu. Dans la rue, rien n’est évident.

Il faut aller vers les passant·es, engager la conversation, expliquer la démarche, demander un don. Et dans le même temps, porter une présence qui ne passe jamais totalement inaperçue.

Les réactions sont immédiates. Il y a des sourires, des soutiens, des regards complices. Et parfois aussi des silences, de l’incompréhension, ou des paroles maladroites ou insultantes.

La visibilité n’est pas neutre. Elle expose. Elle confronte. Elle demande du courage, parce qu’elle se joue dans un espace où tout le monde n’est pas prêt à accueillir ce qui est différent. Mais la solidarité du groupe et les mots chaleureux sont ceux qu’il faut retenir et ils réconfortent.

Ces moments existent aussi en images, visibles dans la galerie maraude du Sidragtion Metz.

Une énergie collective

Certaines figures incarnent cette énergie, comme Damona Flowers et Thalie Green.

Mais ce qui marque vraiment, c’est le collectif. Celles et ceux qui montent sur scène, qui maraudent, qui organisent, qui soutiennent.

BLIIIDA comme lieu de circulation

Que cette soirée existe à BLIIIDA a du sens.

C’est un lieu où les pratiques se croisent, où les formes circulent, où la culture devient aussi un espace de rencontre.

Un studio en coulisses pour ralentir

La scène donne beaucoup. La rue aussi. Tout est intense, rapide, exposé.

Le studio en coulisses proposait autre chose : un temps de pause. Un espace où l’on peut s’extraire quelques minutes du flux, retrouver une forme de calme, et se poser autrement.

Il ne s’agit pas de montrer une « vraie personne » cachée derrière un personnage. Cette opposition n’a pas de sens. Le personnage fait partie de la personne, de sa manière de s’affirmer, de jouer avec les codes, de prendre sa place.

Mais dans ce contexte plus calme, le regard change. Il devient plus direct, plus stable. Il y a moins de bruit autour, plus de présence.

Ces portraits prennent une autre forme dans la galerie studio du Sidragtion Metz .

Se voir autrement

Ce qui reste, ce ne sont pas seulement les images.

Ce sont les réactions. Des regards qui s’attardent plus longtemps que prévu. Des sourires qui changent, parfois plus discrets, parfois plus assumés. Des « merci » simples, mais chargés de sens.

Certain·es se redécouvrent. D’autres se reconnaissent. Il y a quelque chose qui se passe dans ce face-à-face avec l’image, qui dépasse largement la photographie.

Ces personnes donnent déjà beaucoup. Leur temps, leur énergie, leur visibilité. Leur proposer un portrait attentif, c’est leur rendre une partie de cette présence.

Ce qui reste après le bruit

Le Sidragtion Metz laisse des traces de solidarité, d’engagement, de courage.

Entre la rue, la scène et les coulisses, quelque chose se joue qui dépasse l’événement : une manière de rendre visible, ensemble.

Regards intérieurs | construire les conditions d’une présence

RICHAUD — Wed, 28 Jan 2026 08:27:25 +0000

Série en cours · Portrait · Regard d’auteur

Regards intérieurs

Construire les conditions d’une image qui ne cherche pas à plaire, mais à laisser paraître un état de présence, de retrait et de justesse.

Dans un studio, tout semble pousser vers la maîtrise. La lumière est installée, le cadre est défini, une personne se tient face à l’appareil. Presque immédiatement, quelque chose se met en place : une posture, un regard, une manière de tenir son image.

On appelle cela poser.

Et, dans beaucoup de portraits, c’est là que tout s’arrête.

Regards intérieurs part d’un refus simple : ne pas confondre la présence avec sa mise en scène.

Contre l’évidence de la pose

Le portrait contemporain valorise largement la maîtrise de soi. Il faut savoir quoi faire de son visage, comment tenir son corps, comment produire une image lisible, acceptable, souvent séduisante. Même lorsque l’on parle de naturel, il s’agit souvent d’un naturel déjà domestiqué, presque codifié.

Ce n’est pas condamnable en soi. Mais cela produit des images où l’on voit surtout ce que la personne pense devoir montrer. Le reste disparaît : ce qui hésite, ce qui se retient, ce qui n’est pas immédiatement offert au regard.

Le portrait devient alors moins un lieu de rencontre qu’un espace de validation.

Le naturel ne vient pas seul

On entretient souvent une illusion tenace : il suffirait de laisser faire pour que quelque chose de vrai apparaisse. Comme si l’absence de direction garantissait d’elle-même une forme d’authenticité.

Dans une prise de vue, c’est rarement le cas. La présence de l’appareil, le regard de l’autre, le simple fait d’être photographié·e activent immédiatement des mécanismes de contrôle. Le naturel ne surgit pas spontanément dans ce contexte. Il est, au contraire, rendu plus difficile.

Si l’on veut accéder à autre chose, il ne suffit pas de ne rien faire. Il faut construire des conditions. Un rythme différent. Un espace moins saturé. Une attention qui n’a pas pour fonction de corriger, mais d’accueillir.

Ce que je cherche ici ne relève donc ni du hasard, ni d’une magie de l’instant. C’est une mise en condition volontaire.

Organiser le retrait

Regards intérieurs est une série pensée dès le départ comme un dispositif. Elle ne cherche pas à capter un moment imprévu survenu au milieu d’une séance. Elle construit, au contraire, les conditions qui rendent ce moment possible.

Le studio n’est pas utilisé ici comme un lieu de performance, mais comme un espace de retrait. La lumière est travaillée pour ne pas dominer. Le temps est étiré pour sortir de la logique de rendement. Le cadre est resserré pour écarter ce qui distrait.

Rien n’est laissé au hasard. Mais rien n’est forcé non plus.

C’est là tout l’enjeu du projet : organiser sans imposer, accueillir sans fabriquer, créer une situation où la personne n’a plus besoin de performer pour exister dans l’image.

Le visage comme lieu de lecture

Le choix du cadrage est central. Dans cette série, il est volontairement resserré autour du visage. Non pour isoler une identité ou produire un face-à-face spectaculaire, mais pour concentrer la lecture sur ce qui porte la plus grande part de nos états intérieurs.

Le visage est traversé de variations infimes : un regard qui se détourne, une tension dans la bouche, une paupière qui se ferme davantage, une présence qui se modifie sans jamais basculer dans l’effet.

Ce cadrage n’est pas neutre. Il oblige à regarder ce qui, bien souvent, est contourné. Par facilité. Par habitude. Par manque d’intérêt. Par défaut de compassion aussi.

Il n’y a plus de décor pour distraire. Plus d’histoire annexe où se réfugier. Seulement un visage, un regard, des micro-attitudes. Et la responsabilité simple d’y prêter attention.

Ce qui se dépose avec le temps

Dans la pratique, cela change tout. Les premières images ne sont presque jamais celles qui comptent le plus. Elles appartiennent souvent au moment où la personne s’installe dans ce qu’elle imagine attendu d’elle. Il faut du temps pour que cette couche se dépose.

Cela ne se provoque pas frontalement. Cela se laisse venir. Par le silence. Par les suspensions. Par le fait de ne pas demander tout de suite une image réussie.

Les personnes photographiées ne sont pas invitées à jouer un rôle. Elles ne sont pas guidées vers une expression à produire. Le cadre existe, mais leur état intérieur n’est pas dirigé.

Ce qui apparaît alors n’est pas spectaculaire. Et c’est précisément ce qui m’intéresse.

Une autre manière de regarder

Cette série ne prétend pas dire une vérité sur celles et ceux qu’elle montre. Elle propose plutôt une manière de regarder. Une manière plus lente, plus attentive, moins avide de lisibilité immédiate.

Dans une époque saturée d’images rapides et consommables, accorder de l’attention à un état de présence devient presque un acte en soi. Cela demande de renoncer à juger trop vite. D’accepter ce qui n’est pas d’emblée clair. De choisir de rester devant ce qui ne se donne pas entièrement.

Peut-être est-ce aussi cela, au fond, que le portrait peut encore offrir : non pas une image de plus, mais un exercice d’attention.

exposition 9 % singulier : une exploration inspirante de ma différence

RICHAUD — Thu, 20 Nov 2025 09:03:24 +0000

Projet intime · Série d’auteur · Coulisses de création

9 % Singulier

Une série construite comme un autoportrait, pour explorer ce que signifie se construire en tant qu’homme gay dans un monde qui ne nous a pas toujours prévu.

Il y a des projets qui naissent d’une idée claire. Et d’autres qui viennent d’un besoin plus difficile à formuler.

9 % Singulier ne part pas d’un concept photographique. Il part d’une expérience : celle de se construire en tant qu’homme gay dans une société où les identités LGBT+ restent minoritaires.

Ce chiffre n’est pas là pour produire un effet ou pour résumer une réalité complexe. Il agit plutôt comme un point de départ. Une manière de poser une tension simple : grandir, se chercher, apprendre à exister pleinement dans un espace qui n’a pas toujours été pensé pour soi.

Une série comme un autoportrait

Cette série est construite comme un autoportrait. Pas au sens classique du terme. Je n’y cherche pas une image de moi, ni une représentation figée de mon identité.

J’essaie plutôt d’explorer ce que cette position produit : dans le regard, dans le rapport au corps, dans la manière de se montrer, de se protéger, de se taire ou de se rendre visible.

Il ne s’agit pas de parler au nom d’une communauté, ni de prétendre résumer une expérience collective. Il s’agit de raconter une trajectoire parmi d’autres, faite de nuances, de contradictions, de fierté, d’apprentissages et d’ajustements permanents.

Utiliser la couleur comme un fil narratif

9% singulier

Elle permet d’introduire du symbole sans enfermer le projet dans un discours fermé. Elle ouvre des correspondances, des échos, des tensions, sans imposer une seule lecture.

Ce que le regard des autres produit en nous

Une grande partie de la série tourne autour de cette question : qu’est-ce que le regard des autres fait à une identité ?

Comment il façonne la manière de se percevoir. Comment il contraint certains gestes, certaines postures, certaines manières d’habiter son propre corps. Comment il pousse parfois à se protéger, à se cacher, à produire une version de soi plus acceptable.

Mais la série ne s’arrête pas à ce constat. Elle interroge aussi la manière dont on construit, avec le temps, un espace intérieur plus stable. Un endroit où l’on peut exister sans être en permanence ajusté au regard extérieur.

Marcher hors des cases

Une écriture photographique hybride

Photographiquement, 9 % Singulier ne repose pas sur une seule forme. La série mêle portrait, abstraction, symboles, mises en scène lumineuses et fragments d’intimité.

Ce mélange n’est pas décoratif. Il correspond à la réalité de ce que j’essaie de raconter : une identité qui ne tient ni dans une seule image, ni dans un seul registre visuel.

Chaque photographie est pensée comme un geste sensible. Une tentative pour rendre visible ce qui se vit souvent en silence : les doutes, les tensions, les blessures discrètes, mais aussi la force, la résilience et l’humour qui accompagnent toute construction identitaire.

Montrer sans exposer

Ce point est essentiel dans ma manière d’aborder la série. 9 % Singulier traverse des zones sensibles, mais il ne cherche pas à les exposer frontalement.

Il ne s’agit pas de produire des images-chocs, ni de rendre visible à tout prix. Ce qui m’importe est plutôt de trouver une forme juste. Une manière de montrer sans réduire, de suggérer sans masquer, de donner une place à des états intérieurs sans les transformer en spectacle.

La photographie permet ici de tenir cette tension : approcher quelque chose d’intime, tout en laissant à la personne, et à l’image, leur part de retenue.

Entre fragilité et force

Ce qui traverse cette série, ce n’est pas uniquement la difficulté. C’est aussi ce qui se construit au fil du temps : la capacité à tenir, à s’adapter, à développer des formes de recul, d’humour et de solidité.

L’identité n’est pas seulement un point de tension. C’est aussi un espace de ressources, de réinvention, de résistance.

J’essaie de tenir ensemble ces dimensions sans simplifier le récit. Ne pas faire de la fragilité une faiblesse. Ne pas faire de la force une image héroïque. Laisser coexister les nuances.

Une série située

9 % Singulier n’est pas un projet hors-sol. Il s’inscrit dans un territoire, dans des lieux, dans une histoire personnelle qui dialogue avec des contextes sociaux plus larges.

L’idée n’est pas de produire un discours universel, mais de montrer comment une trajectoire intime s’ancre quelque part. Comment elle se construit au milieu des autres, avec ce qu’un environnement permet, empêche, accueille ou rejette.

C’est aussi pour cela que cette série a, pour moi, une dimension de partage. Parce qu’elle relie une histoire personnelle à des enjeux plus larges de reconnaissance, de visibilité et de cohabitation.

Ouvrir un espace de regard

Cette série ne cherche pas à convaincre, ni à parler pour tout le monde. Elle propose un espace de visibilité et de réflexion.

Un espace où l’on peut regarder autrement des identités souvent simplifiées. Un espace où la parole peut circuler. Un espace où la singularité n’est pas ramenée à une étiquette, mais reconnue dans ce qu’elle apporte au collectif.

Si ces images ouvrent quelque chose, ce n’est pas parce qu’elles expliquent tout. C’est parce qu’elles laissent une place. Une place pour la discussion, pour la reconnaissance mutuelle, et pour une manière plus attentive de regarder ce qui ne correspond pas toujours aux normes dominantes.

Pourquoi je fais des zines photo

RICHAUD — Wed, 22 Oct 2025 08:17:59 +0000

Vision photographique · Objet photo · Regard d’auteur

Pourquoi je fais des zines photo

Partager une série, remettre l’objet photo au centre, et maîtriser toute la chaîne : du regard à la reliure.

On regarde des images toute la journée. On les fait défiler, on les oublie, on les remplace.

Et pourtant, certaines photographies mériteraient autre chose qu’un passage rapide entre deux distractions. Elles demandent du temps, un rythme, une forme.

La question n’est donc pas seulement de faire des images. Mais de savoir comment elles existent une fois faites.

Une série ne se résume pas à une suite d’images

Il y a aujourd’hui une illusion assez répandue : celle que publier une série sur un écran suffit à la partager.

On poste, on assemble quelques images, on parle de projet. Mais dans la plupart des cas, il n’y a ni progression, ni respiration, ni véritable lecture. Seulement une juxtaposition.

Le problème n’est pas la qualité des images. C’est leur absence de structure.

Une série n’est pas une collection. C’est une construction. Et sans cette construction, le regard se perd.

Donner une forme au regard

C’est de ce constat que viennent mes zines photo.

Pas comme une réponse technique, ni comme un simple format pratique. Mais comme une manière de redonner aux images un espace cohérent.

Un zine photo impose un cadre. Il oblige à faire des choix, à retirer, à organiser. Il oblige aussi à penser le rythme, l’enchaînement, les silences entre les images.

On ne regarde plus des photographies isolées. On entre dans une lecture. Il y a un début, même discret. Une progression. Des tensions, parfois une rupture.

Ce n’est pas seulement un support. C’est une manière de penser la photographie.

Remettre l’objet photo au centre

Ce choix est aussi lié à une autre question, plus fondamentale : celle de la place de l’image dans nos vies.

Aujourd’hui, la photographie est partout. Mais elle est rarement incarnée. Elle existe sur des écrans, dans des flux, dans des algorithmes. Elle circule, mais elle ne s’installe pas.

Le zine, comme le tirage ou le livre, propose autre chose : un objet.

Quelque chose que l’on prend en main, que l’on garde, que l’on pose, que l’on retrouve. Le rapport à l’image change complètement. On ne la consomme plus de la même manière.

On ralentit.

Ce ralentissement est essentiel. Parce qu’il permet une lecture plus attentive, plus personnelle. L’image cesse d’être une simple information. Elle devient une expérience.

Cette attention portée à la forme rejoint d’ailleurs tout un pan de l’édition photographique contemporaine, où la séquence devient un langage à part entière, comme on le voit chez MACK Books.

Du regard à la reliure

Faire des zines photo, c’est aussi une manière d’assumer pleinement toute la chaîne de création.

De la prise de vue à la sélection. De la séquence à la mise en page. Jusqu’à la fabrication elle-même.

Ce n’est pas une recherche de contrôle au sens technique. C’est une manière de ne pas abandonner ce que devient l’image une fois produite.

Chaque décision compte : l’ordre des photographies, leur dialogue, le format, le rythme des pages, la manière dont une image apparaît seule ou en regard d’une autre.

Rien de tout cela n’est neutre. Et déléguer entièrement cette partie, ce serait renoncer à une part du regard.

Photographier en pensant à la forme finale

Cette manière de travailler influence aussi ma pratique au moment de la prise de vue.

Quand je photographie, je ne pense pas seulement à une image forte prise isolément. Je pense à ce qu’elle pourra devenir ensuite.

Est-ce qu’elle trouve sa place dans une série ? Est-ce qu’elle dialogue avec d’autres ? Est-ce qu’elle apporte quelque chose à un récit plus large ?

Cette logique pousse à chercher autre chose que l’image spectaculaire ou immédiatement efficace. Elle pousse à construire.

C’est notamment ce que je développe dans certaines séries comme mon carnet du Japon, où les images prennent sens dans leur dialogue, leurs contrastes et leur enchaînement.

Dans certaines séries, notamment en portrait, cette approche devient encore plus importante. Une personne ne se résume pas à une seule photographie. Elle se raconte dans des variations, des nuances, des écarts.

Le zine devient alors un espace capable d’accueillir cette complexité. Non pas pour l’expliquer totalement, mais pour lui laisser une forme.

Refuser le flux comme seule destination

Au fond, faire un zine, c’est refuser une idée simplifiée de la photographie.

Celle qui réduit l’image à un instant, à une performance, à quelque chose de rapidement lisible puis oublié.

C’est accepter que certaines images aient besoin de temps, de contexte, d’un chemin pour être lues.

C’est aussi accepter que le regard ne soit pas immédiat. Qu’il se construise.

Dans un monde saturé d’images, cette question de la lecture, du contexte et de la culture visuelle devient centrale, comme le rappelle aussi la Tate à propos de la culture visuelle.

Une autre manière de partager

Dans un monde où tout va vite, où tout s’accumule et disparaît presque aussitôt, choisir de fabriquer un objet peut sembler marginal.

Mais c’est peut-être justement là que cela devient intéressant : créer moins, mais créer des formes qui tiennent.

Donner aux images un espace pour exister autrement que dans le flux. Et proposer, à travers elles, une autre manière de regarder.

Cette place redonnée à l’objet se retrouve aujourd’hui dans de nombreuses pratiques d’édition indépendante, comme celles mises en avant parSelf Publish, Be Happy.

Pas plus spectaculaire. Pas plus technique.

Mais plus attentive. Plus lente. Plus humaine.

🎞️ Le fabuleux festival de Vic-sur-Seille 2025

RICHAUD — Wed, 08 Oct 2025 09:15:53 +0000

🎞️ Immersion dans l’art photo au cœur de la Lorraine : le Festival de Vic-sur-Seille 2025

Introduction

Chaque automne, Vic-sur-Seille devient un le lieu où se rencontrent amateurs, passionnés et professionnels de la photographie. Pour la 7ᵉ édition, du 24 au 26 octobre 2025, c’est l’association Les Objectifs du Saulnois (ODS) qui porte l’événement.

L’affiche officielle du 7ᵉ Festival Photo de Vic-sur-Seille annonce trois jours dédiés à la photographie : expositions, ateliers, conférences et bourse photo.

(et oui, c’est ici que j’aurai l’immense plaisir de présenter ma série “Échos du Japon”)

🌱 “Les Objectifs du Saulnois” (ODS) : au cœur du festival

L’association Les Objectifs du Saulnois (ODS) est le pilier organisationnel de ce festival. Elle est née en 2018 de la volonté d’un groupe de passionnés locaux de donner vie à un événement photographique de proximité, dans une région où les initiatives artistiques sont souvent dispersées. Festival Photo de Vic-sur-Seille+1

Mission & valeurs

Faire découvrir la photographie sous toutes ses formes (paysage, portrait, abstrait, expérimental), sans barrière d’accès. Festival Photo de Vic-sur-Seille+1
Favoriser les échanges entre photographes, amateurs et visiteurs, pour que le geste artistique ne reste pas dans une bulle mais soit partagé.
Impliquer le territoire : Vic-sur-Seille n’est pas une toile vierge, c’est une ville avec une histoire, un patrimoine — l’association veut « habiter » le lieu avec ses expositions, ses conférences, ses parcours dans les ruelles.
Construire l’événement avec les moyens du local — bénévoles, artisans de proximité, liens avec les associations culturelles.

Organisation & implication

ODS fonctionne beaucoup grâce à l’engagement bénévole : mise en place des expositions, scénographie, communication, accueil du public. Sur le site officiel du festival, on peut voir toute l’équipe qui “met les mains à la pâte” pour monter les tirages, installer les salles, etc. Facebook+1

L’association propose aussi aux amateurs de rejoindre le mouvement via un bulletin d’adhésion (sur le site du festival). Festival Photo de Vic-sur-Seille

Sur la page de la mairie de Vic-sur-Seille, ODS est listée parmi les associations locales actives en culture, avec un bureau composé de passionnés dans lequel reine la convivialité et la bonne ambiance.

ODS est bien plus qu’un organisateur : c’est une tribu photographe locale, qui catalyse des envies visuelles autour de la ville de Vic, en tissant du lien entre artistes, habitants et visiteurs.

Un bon aperçu des actions passées ? Par exemple, l’édition 2022 du festival a été annoncée via Tout-Metz, qui détaille le programme, les invités et les conférences : « 4ᵉ Festival Photo de Vic-sur-Seille » sur Tout-Metz Tout Metz

Quelques éditions passées : ce que la presse en a dit

En 2022, L’Est Républicain a publié un article intitulé “Vic-sur-Seille. Plus de 200 clichés à découvrir pendant le 4e festival photo”, mentionnant que l’édition exposait 220 clichés par 17 photographes, avec conférences et événements associés. L’Est Républicain
Plus récemment, le Républicain Lorrain – antenne Sarrebourg / Château-Salins relaie l’édition 2025 du festival via sa page Facebook : “Le 7ᵉ Festival photo de Vic-sur-Seille … organisé par Les Objectifs du Saulnois”. Facebook

Le club invité en 2025

Le festival accueil chaque année un club photo de la région, lors de cette édition 2025 est l’invitation du Photoclub SNCF Thionville Yutz, qui apportera son univers, ses membres et son rythme. Festival Photo de Vic-sur-Seille

Présentation & contexte

Le club est affilié à la Fédération Photographique de France (FPF) — sa fiche en ligne le présente comme un club actif dans les domaines “Noir & Blanc, Papier couleur, Image projetée, Numérique” et disposant d’un studio électronique / labo numérique. Fédération Photographique de France

Adresse : 5 Impasse des Anciens Hauts Fourneaux, 57100 Thionville (accès par l’arrière du bâtiment). Fédération Photographique de France
Contact : email mentionné « soflau.filippone@gmail.com » et webmaster du site “photocyt.fr” selon la fiche de la FPF. Fédération Photographique de France

Ce qu’ils apportent au festival

Une vitrine collective : les membres du club exposeront leurs travaux, donnant une vision cohérente de leur démarche collective.
Dynamique d’échanges : visiteurs et autres exposants pourront dialoguer avec les membres du club, découvrir leurs pratiques (techniques, choix de sujets, post-traitement).
Diversité : leur présence enrichit le festival en apportant un regard venant d’un territoire urbain / semi-urbain (Thionville / Yutz) distinct du contexte rural de Vic.
Mutualisation de savoirs : le club apporte son réseau, ses outils, potentiellement des ateliers ou démonstrations (studio, labo) si c’est prévu.

L’invitation du Photoclub SNCF Thionville Yutz est une ouverture précieuse — non seulement par les œuvres qu’ils exposeront, mais par le pont qu’ils tendent entre communautés photographiques régionales.

Les photographes invités en 2025

Voici la sélection des artistes retenus pour l’édition 2025 :

Mon exposition « Échos du Japon » – un voyage en trois temps

Le Mont Fuji capturé à travers un miroir de rue, une image pleine de poésie.

Dans Échos du Japon, je te propose de plonger dans un Japon intime, invisible, parfois fragile — loin des clichés touristiques. Mon fil directeur est l’instant suspendu : une goutte sur une feuille, un reflet dans une vitre embuée, un rayon de lumière caressant une façade en bois ancien. Ces images sont des fenêtres ouvertes à la poésie quotidienne, des fragments de vie japonaise vus à travers un regard attentif. Je souhaite que chaque visiteur soit invité à ralentir, à s’immerger dans le silence visuel, à laisser son esprit vagabonder entre les ombres et les luminescences.

Le choix des supports et de la matière est essentiel dans cette exposition. J’ai combiné des tirages barytés pour leur densité et richesse tonale, des tirages mats pour leur douceur, et quelques pièces en papier washi pour instaurer une vibration subtile du support, un lien matériel avec la culture japonaise. Le papier washi accueille l’image avec une délicatesse particulière — il respire avec l’image, crée une intimité tactile. Les légendes associées, pensées-poétiques ou micro-haïkus, viennent ponctuer le chemin visuel sans imposer un sens : elles éveillent plus qu’elles n’expliquent.

Enfin, j’ai structuré l’exposition comme une progression poétique. Le visiteur entre par des images dites « d’ouverture » — zones claires, teintes douces, presque murmures visuels — pour être guidé vers les clichés plus contrastés, plus affirmés, puis redescendre vers des images « silencieuses », de fin de parcours, où l’espace négatif, le vide, la subtilité d’un détail font leur force. Je veux que l’expo soit un temps de respiration au milieu du festival, un moment de pause contemplative, un lieu pour que chacun puisse “faire son chemin” à l’intérieur de l’image.

Des détails urbains captivants mêlés à la joie d’une famille japonaise.

Objectif

Que le visiteur s’arrête, s’immerge, contemple. Que l’édition 2025 puisse offrir un moment “slow photo” au cœur d’un festival aux mille visages.

Donner une forme à ses images

RICHAUD — Tue, 01 Jul 2025 12:45:57 +0000

Vision photographique · Objet photo · Regard d’auteur

Donner une forme à ses images

Entre zine, album, tirage ou livre, ce qui compte n’est pas seulement l’image : c’est la forme qui lui permet de tenir, de dialoguer et de durer.

On prend des photos tous les jours. On les garde, on les stocke, parfois on les partage.

Mais très rarement, on leur donne une forme.

Elles existent, mais elles ne tiennent pas toujours. Elles passent, mais elles ne restent pas vraiment.

La question n’est donc pas seulement de faire des images. Mais de savoir ce qu’elles deviennent.

Produire beaucoup ne signifie pas encore raconter

Aujourd’hui, la photographie est partout. Dans nos téléphones, dans nos conversations, dans nos gestes quotidiens.

Elle documente, elle accompagne, elle circule. Et ce flux n’est pas un problème en soi : il permet de partager rapidement, de montrer, de faire exister des fragments de vie.

Mais il devient insuffisant lorsqu’il remplace toute forme de construction.

On parle de souvenirs, mais on ne les organise pas. On parle de séries, mais on ne les compose pas. On produit beaucoup. On raconte peu.

Ce n’est pas un problème technique. C’est un problème de forme.

Une image seule peut tenir. Un ensemble peut parler

Donner une forme à ses images, c’est déjà prendre position.

C’est décider que ces photographies ne sont pas simplement là pour exister individuellement, mais pour dialoguer entre elles.

C’est créer un rythme. Assumer des choix. Construire un regard.

Une image seule peut être forte. Mais plusieurs images organisées peuvent devenir un récit.

Et ce récit ne tient pas uniquement à ce qui est montré, mais à la manière dont c’est agencé. L’ordre change le sens. La répétition crée une tension. L’absence crée un espace.

La photographie ne se limite plus à l’instant. Elle devient une écriture.

Zine, album, livre : des formes différentes, une même exigence

C’est là que des formes comme le zine, l’album ou le livre prennent leur place.

Pas comme de simples objets techniques. Mais comme des prolongements du regard.

Un zine permet d’explorer, de tester, de construire une série avec une certaine liberté. Un album s’inscrit souvent dans un autre rapport au temps, plus intime, plus durable. Un livre peut encore déplacer la lecture et lui donner une autre ampleur.

Dans les trois cas, ce qui compte n’est pas le format en lui-même. C’est ce qu’il rend possible : sortir du flux, créer une continuité, permettre une lecture.

Remettre l’objet photo au centre

La majorité des images existent aujourd’hui dans un environnement qui ne leur laisse pas beaucoup de place. Elles apparaissent, disparaissent, se remplacent.

Le regard y est rapide, souvent distrait, parfois purement fonctionnel.

Dans ce contexte, fabriquer un objet — qu’il soit simple ou plus élaboré — devient presque un geste à contre-courant.

Un geste qui ralentit.

On prend le temps de choisir, le temps d’organiser, le temps de regarder autrement. Et ce ralentissement n’est pas anecdotique. Il transforme la relation à l’image.

On ne consomme plus une photographie de la même manière. On la traverse. On la retrouve. On vit avec elle.

Choisir, c’est déjà raconter

Ce travail de mise en forme engage aussi une responsabilité.

Choisir, c’est renoncer.

Décider qu’une image entre dans un ensemble, et qu’une autre en sort, ce n’est pas seulement une question esthétique. C’est une manière de raconter.

Ce que l’on montre. Ce que l’on tait. Ce que l’on relie.

Dans un album, ce choix peut être chargé d’émotion. Dans un zine, il peut être plus expérimental. Mais dans tous les cas, il construit un point de vue.

Et ce point de vue est déjà une forme de prise de parole.

Photographier en pensant à la relation entre les images

Cette manière de penser les images influence aussi la prise de vue.

Photographier ne consiste plus uniquement à chercher une image forte, isolée, immédiatement lisible.

Il s’agit de penser en relation.

Comment cette image s’inscrit-elle dans un ensemble ? Qu’apporte-t-elle à une série ? Quelle tension crée-t-elle avec les autres ?

Dans certaines séries, notamment en portrait, cette logique devient essentielle. Une personne ne se résume pas à une image. Elle apparaît dans des variations, des écarts, des nuances.

Un regard. Un geste. Une posture.

Donner une forme à ces images, c’est accepter cette complexité. Pas pour la figer, mais pour lui laisser un espace.

Quand une série commence à tenir

C’est dans cette logique que j’ai construit certaines séries, comme mon carnet du Japon , où les images prennent sens dans leur dialogue, leurs contrastes et leur enchaînement.

Chaque photographie y existe, bien sûr. Mais c’est leur relation qui construit l’ensemble.

Ce n’est pas une accumulation. C’est une progression.

Proposer une manière de voir

Donner une forme à ses images, ce n’est donc pas une étape en plus. C’est une autre manière de photographier.

Une manière qui dépasse l’instant pour aller vers le récit. Qui dépasse l’image isolée pour aller vers une vision.

Dans un monde saturé de photographies, ce choix peut sembler secondaire.

Il est, à mes yeux, essentiel.

Parce qu’il ne s’agit plus seulement de produire des images. Mais de proposer une manière de voir.

Préparer un portrait photo : ce que personne ne vous dit

RICHAUD — Wed, 18 Jun 2025 09:45:29 +0000

Expérience du portrait · Relation à l’autre

Ce que l’on prépare vraiment avant un portrait

Un portrait ne se prépare pas comme on le pense. Il ne s’agit pas d’être prêt à être vu·e, mais de rendre possible une rencontre.

Avant une séance, la question revient presque toujours. Comment se préparer ?

Derrière cette question, il y a rarement un enjeu technique. Il y a une inquiétude plus profonde. Est-ce que je vais être à l’aise ? Est-ce que je vais me reconnaître ? Est-ce que je vais être jugé·e ?

Beaucoup arrivent avec l’idée qu’il faut “bien faire”. Trouver la bonne tenue. Adopter la bonne posture. Correspondre à une image attendue.

Comme si un portrait relevait d’une forme de performance.

Le malentendu du portrait

Cette idée n’est pas anodine. Elle vient de la manière dont le portrait est souvent représenté.

Des images maîtrisées, contrôlées, parfois figées. Des visages sûrs d’eux. Des corps qui semblent savoir exactement comment se tenir.

À force, on finit par croire qu’un portrait réussi repose sur la capacité à reproduire ces codes.

Et cela crée une distance.

Beaucoup de personnes pensent ne pas être photogéniques. Non pas parce qu’elles ne le sont pas, mais parce qu’elles se comparent à des images construites pour être regardées, pas vécues.

Le problème n’est donc pas la personne. C’est la manière dont on lui a appris à se regarder.

« Il n’y a rien de pire qu’une photo nette d’une idée floue. »
— Ansel Adams

Cette phrase ne parle pas seulement de technique. Elle parle d’intention.

Une image peut être parfaitement exposée, parfaitement cadrée, parfaitement exécutée — et pourtant ne rien dire.

À l’inverse, une image peut être simple, fragile, imparfaite — et être juste.

Avant même de déclencher, une question se pose : qu’est-ce que l’on cherche à faire exister ?

Cette question concerne toute l’image.

Elle concerne l’équipe, dans la manière dont elle accompagne. Elle concerne la personne photographiée, dans la manière dont elle accepte d’être là. Elle me concerne, dans la manière dont je construis le cadre.

Sans cette intention partagée, le portrait reste à la surface.

Avec elle, il peut devenir un espace.

Se montrer plutôt que se conformer

Il y a une différence importante entre se montrer et se conformer.

Se conformer, c’est essayer de correspondre à une image extérieure. Se montrer, c’est accepter ce qui est là, sans chercher à le corriger immédiatement.

Dans un cas, on joue un rôle. Dans l’autre, on habite un moment.

Cette différence change tout.

Parce qu’un portrait ne cherche pas une perfection. Il cherche une présence.

Créer les conditions, pas diriger une image

Mon rôle n’est pas de demander à quelqu’un de bien poser.

Mon rôle est de créer les conditions pour que quelque chose puisse apparaître.

Un cadre. Un rythme. Une attention.

Cela implique de ne pas chercher à contrôler chaque détail. De laisser une place aux hésitations, aux silences, aux micro-attitudes.

Ce sont souvent ces moments-là qui rendent une image juste.

Pas parce qu’ils sont parfaits. Mais parce qu’ils sont vrais.

Ce qui se joue réellement pendant une séance

Au début, il y a souvent une forme de retenue.

Le regard se cherche. Le corps hésite. Les gestes sont contrôlés.

Puis, progressivement, quelque chose se relâche.

Ce n’est pas spectaculaire. Ce n’est pas instantané.

Mais c’est perceptible.

Une posture change. Le regard devient plus présent. Le visage se pose autrement.

Ce moment ne peut pas être forcé.

Il apparaît lorsque la personne comprend qu’elle n’a rien à prouver.

Préparer autrement

Se préparer à un portrait ne consiste donc pas à anticiper chaque détail.

C’est accepter de ne pas tout maîtriser.

Venir avec ce que l’on est, sans chercher à correspondre à une image préalable.

Laisser de la place à ce qui va se construire.

Un portrait ne se fabrique pas.

Il se rend possible.

Et ce que l’on prépare réellement, ce n’est pas une apparence.

C’est la possibilité d’une rencontre.

Photos numériques ou imprimées : pourquoi les souvenirs prennent une autre dimension sur papier

RICHAUD — Wed, 28 May 2025 06:55:16 +0000

Photos numériques ou imprimées à Metz

🧠 Et si vos plus beaux moments n’étaient qu’à un clic… d’être oubliés ?Aujourd’hui, on prend des centaines de photos sans même y penser : un sourire, un paysage, un instant en famille… Mais une question se pose : que deviennent ces images ?Elles s’accumulent dans nos téléphones, nos ordinateurs ou nos clouds… et finissent par s’effacer de notre mémoire. Trop souvent, elles restent invisibles, perdues dans le flot numérique.Imprimer ses photos, c’est décider que certains souvenirs méritent une place particulière. C’est leur offrir une vraie vie, hors écran.🌱 Le tri photo : un moment pour soi

Avant d’imprimer, il faut choisir. Et ce choix est précieux.

C’est l’occasion de ralentir, de replonger dans ses souvenirs, de revivre des instants oubliés. C’est un peu comme feuilleter un journal intime visuel.

Et pas besoin d’être un pro pour s’y mettre : vous pouvez commencer en vous demandant :

Quelle photo me fait sourire instantanément ?
Laquelle me rappelle une personne chère ?
Quel moment ai-je peur d’oublier ?

🖼️ Une photo imprimée, c’est plus qu’une image

C’est un objet, une présence dans votre quotidien. Une photo sur le mur, dans un cadre ou dans un carnet, c’est un souvenir que l’on croise, que l’on touche, que l’on partage.

C’est aussi un cadeau qui touche droit au cœur.

« Le négatif est la partition, le tirage est l’interprétation. » — Ansel Adams

📦 Créer votre boîte à souvenirs

Imaginez une boîte, dans laquelle vous glissez vos moments préférés. Ce n’est pas juste une boîte, c’est un coffre à trésors émotionnel.

Un objet à rouvrir dans dix ans… ou à offrir à vos enfants.

Tirages noirs et blancs signés Picturæ : redonnez corps à vos émotions grâce à l’impression artisanale.

Boîte Picturæ contenant des tirages photo personnalisés : un geste simple pour sublimer vos souvenirs.

📚 Le livre photo : raconter une histoire avec vos images

Un livre photo, ce n’est pas qu’un album : c’est votre histoire racontée avec vos images. Il peut illustrer une année marquante, un voyage, ou simplement votre quotidien.

C’est aussi un excellent moyen de partager avec vos proches, loin des écrans.

💬 Ce qu’en disent celles et ceux qui ont sauté le pas

Beaucoup de personnes témoignent du changement que cela a apporté dans leur vie. Moins de frustration numérique, plus de lien humain.

« Depuis que j’ai fait imprimer mes photos, je redécouvre mes souvenirs comme si je les touchais pour la première fois. » — Témoignage client

Street Photo 2025 – un livre photo signé Yoann Richaud, à la croisée du regard artistique et du témoignage urbain.

💡 Pourquoi c’est important, même (surtout) si vous n’êtes pas photographe

Pas besoin d’avoir un œil artistique pour faire imprimer vos photos. Ce n’est pas une question de technique, mais de cœur.

Vos souvenirs ont de la valeur. Et les imprimer, c’est leur donner une place dans votre vie. Ce geste simple change le regard qu’on porte sur soi, sur sa famille, sur le temps qui passe.

🎯 Et maintenant ?

Chez Picturæ, on vous accompagne à chaque étape. Pas à pas, avec bienveillance, pour vous aider à choisir, sublimer et imprimer ce qui compte vraiment.

👉 Vous pouvez même commencer par un rendez-vous découverte gratuit. Ensemble, on parlera de vos souvenirs, et on imaginera comment leur donner une nouvelle vie.

Une question ? Contacte-moi maintenant !

La solidarité des singularités : pourquoi j’aime mettre en avant ceux qu’on ne voit pas

RICHAUD — Tue, 15 Apr 2025 03:46:55 +0000

Photographe inclusif à Metz

🌍 Singularité et compréhension de la place des minorités dans un monde régi par la norme

Si tu as toujours fait partie de la majorité – dans ton apparence, tes origines ou ton quotidien – il peut être difficile de comprendre ce que signifie être du “côté minoritaire“. Pourtant, être minoritaire façonne la manière dont on perçoit le monde, dont on interagit avec les autres, et surtout dont on se perçoit soi-même. C’est ce que j’ai appris à travers ma propre vie, et c’est ce qui m’a amené à m’identifier à ceux qui se sentent “autres”. Engageons-nous dans l’exploration des richesses que chacun cache ou exprime, de façon visible ou intérieure.

📢 La norme : un réflexe humain aux conséquences sociales

Ce que nous appelons “norme” est la conséquence du comportement collectif. Le mimétisme social et émotionnel est ancré dans la nature humaine. On aime bien faire “comme” tout le monde et les attitudes et les gestes sont vites imités par les autres. Amuse toi à bailler en public et à compter le nombre de bâillement que tu provoques ou, encore plus flagrant, à table avec quelqu’un, redresse toi sur ta chaise, il y a fort à parier que les autres personnes à table feront pareil dans les secondes qui suivent.

Ce mécanisme, bien documenté en sociologie et psychologie sociale, nous pousse à adopter les comportements observés autour de nous. Un exemple marquant est l’effet du témoin, étudié par les psychologues Bibb Latané et John Darley. Selon une enquête détaillée par Le Point, plus une personne est entourée d’autres individus lorsqu’elle est témoin d’un incident, moins elle se sentira responsable d’intervenir. Ce phénomène s’explique par deux facteurs principaux :

La diffusion de responsabilité : chaque témoin pense que quelqu’un d’autre va réagir, ce qui conduit à une inaction collective.
La conformité sociale : si personne n’agit, on suppose que l’inaction est la réponse appropriée.
Par contre si une personne brise la chaine et se met à agir, tout le groupe va suivre.

Ce phénomène est renforcé par notre besoin d’appartenance au groupe. Comme l’a démontré le psychologue Solomon Asch, les individus sont prêts à aller contre leur propre perception pour s’aligner sur l’opinion majoritaire. Ce mimétisme va au-delà des situations d’urgence et influence nos choix quotidiens, des plus anodins aux plus significatifs. Ce mimétisme émotionnel impacte aussi nos interactions personnelles. Nous imitons inconsciemment les expressions faciales, le langage corporel et les émotions des autres, comme l’a démontré le psychologue Giacomo Rizzolatti dans ses recherches sur les neurones miroirs. Cette tendance à suivre la norme explique pourquoi les comportements discriminatoires ou exclusifs peuvent persister dans une société.

En sommes, si tout le monde fini par agir de façon similaire, comment est pris en compte la vision différente d’une personne minoritaire.

🚦 Quand l’inhabituel dérange

Dans notre société, les normes sociales dictent les comportements considérés comme acceptables. Toute divergence par rapport à ces normes peut susciter des réactions négatives. Voici trois exemples illustrant comment l’inhabituel peut déranger :

Le refus de se conformer aux normes vestimentaires.
Les normes vestimentaires varient selon les cultures et les contextes sociaux. Une personne choisissant de s’habiller de manière non conventionnelle peut être perçue comme hors du groupe. Cette perception peut entraîner des sanctions sociales, telles que l’exclusion ou la stigmatisation (Melchior).

Deux jeunes femmes à l’esthétique audacieuse incarnent l’expression libre et la diversité à Tokyo, une ville où chaque singularité trouve sa place.

La transgression des normes de politesse
Les normes de politesse, bien que souvent implicites, jouent un rôle crucial dans les interactions sociales. Par exemple, ne pas saluer une personne ou interrompre quelqu’un en pleine conversation peut être perçu comme un manque de respect. Ces comportements non conformes peuvent entraîner des jugements négatifs et affecter les relations interpersonnelles (IRH).
L’adoption de comportements perçus comme malsains
Certaines pratiques, bien que courantes dans certaines communautés, peuvent être considérées comme nuisibles ou malsaines par la société en général. Par exemple, la consommation excessive d’alcool ou le tabagisme peuvent être perçus négativement. Ces comportements, influencés par des normes sociales spécifiques, peuvent entraîner des sanctions formelles ou informelles, telles que des amendes ou la désapprobation sociale (UNICEF).

Bref, oui c’est à nous tous de nous interrogé si ce qui est différent doit être rejeté, questionné ou adopté 🤔

📊 Le test de rareté : mesurer son niveau d’unicité

Un jour j’ai découvert pourquoi la singularité m’intéresse tellement. En y réfléchissant bien et en prenant des éléments qui constituent ma vie j’ai vite compris pourquoi je me suis toujours senti dans le “groupe des autres”.

Caractéristique	Moi	Pourcentage dans la population
Taille	1m95	2.5%
Yeux	Bleus	10%
Groupe sanguin	B	9%
Main directrice	Gaucher	10%
Orientation sexuelle	Gay	4-8%
Lieu de naissance	Haute-Loire	0.3%
Environnement	Campagne	20%
Géographie	Moyenne montagne	10%
Religion	Athée	29%

Ce tableau est parlant. Il m’a aidé à comprendre pourquoi, depuis tout petit, je me suis toujours senti plus proche des personnes laissées de côté que des grandes masses. Est-ce que toi aussi, il y a des moments ou tu sens que ta réalité est différente de tout ce que tu entends ou tu vois ?

🌈 Valoriser les singularités pour changer les perspectives

Comprendre ces mécanismes est un premier pas vers une société plus inclusive. Nos réactions face à la différence sont conditionnées par des schémas culturels. En prenant conscience de cela, nous pouvons valoriser la diversité plutôt que de la percevoir comme une menace. Des figures comme Malala Yousafzai, Greta Thunberg ou Frida Kahlo illustrent comment la singularité peut être célébrée lorsqu’elle est comprise. Osez faire un pas de côté, OK c’est s’exposer, mais c’est surtout montrer aux autres que d’autres voix existent.

Je suis convaincu que pour oser exprimer cette opinion différente, on a tous besoin d’une personne, qui s’intéresse à nous, nous questionne, nous soutient et nous pousse. C’est en se sentant soutenu qu’on arrive à être nous même.

📸 Pourquoi cet engagement se reflète dans ma photographie

Toute ma vie professionnelle de manager, on m’a dit que j’étais à l’écoute, humain, bienveillant. Pour moi, cela paraissait évident : se mettre à la place des autres, c’est naturel, non ? Mais non, ce n’est pas la vision de tout le monde. Savoir ce que vit une personne qui est du côté minoritaire ne peut pas s’inventer. Pour le comprendre il faut le vivre soi-même ou être l’allier d’une personne qu’on aime avec qui on est lié émotionnellement, ami, famille, amoureux.se. C’est une chance qui enrichie la vie, permet de voir différemment tellement de choses. Vivre ou avoir vécu cela me pousse à perte attentifs aux autres. Cet altruisme crée souvent des moments de rare de complicité. Quand les masques tombent, que les barrières disparaissent, que chacun sent qu’il peut être lui-même, la confiance nait. C’est pour mettre en valeur les singularités de chacun que j’ai voulu créer le Studio Picturæ, un lieu de création et de confiance.

📷 Photographier avec bienveillance : donner une place à chacun

Si les combats pour l’acceptation avancent (mariage pour tous, loi d’accessibilité, #MeToo, etc.), ces libertés restent compliquées à assumer devant la société. Je suis fier de mettre en valeur et créer des portraits pour chacun, montrant pour qui il est, son parcours, sa vie, ses passions. La photographie, que ce soit un portrait singulier ou un shooting de famille, doit être un moment de liberté. Un instant où l’on se sent en sécurité, compris et accepté. Tous les couples ont le droit d’avoir leur photo affichée fièrement, toutes les personnes ont le droit d’avoir un portrait qui raconte qui elles sont. C’est pourquoi choisir un photographe, c’est aussi choisir quelqu’un qui te comprend et te respecte.

Un portrait en noir et blanc où le mouvement devient une métaphore de la singularité et du passage dans un monde en perpétuelle évolution.

📞 Tu veux un portrait qui reflète vraiment qui tu es ? Parlons-en !

💡 Envie d’explorer plus d’histoires et d’inspirations autour du portrait et de la singularité ? Découvre mes autres articles sur le blog !